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Il y a plus d'un an, j'avais été informée par un message très sympathique de Monsieur Bertrand Borie, que sortait dans la revue très intéressante et documentée "HISTOIRE de l'antiqué à nos jours", un long article sur LE CID.
Je viens de scanner les pages pour les publier ici et pour que vous en preniez connaissance.
(Pour faciliter la lecture, j'ai dû assombrir les scans, ce que je regrette)
Je remercie cordialement Monsieur Borie pour ce texte riche et passionnant.
Pour celles et ceux qui seraient intéressés pour se procurer ce numéro sur le site marchand FNAC
Je remercie Remi Ressel membre de notre groupe FB : "CHARLTON HESTON LE MAGNIFIQUE" d'avoir porté à notre connaissance ce numéro de STUDIO spécial CANNES 1997, dans lequel nous pouvons découvrir des articles très intéressants sur le cinéma de l'époque, sur le festival de Cannes et surtout Kenneth Branagh pour son film "HAMLET" qu'il était venu présenté en compagnie de ses interprètes dont Charlton Heston. C'était il y a 25 ans.
Ce matin, j'ai découvert ce message dans les commentaires de la page spéciale intitulée "LES VOIX FRANCAISES DE CHARLTON HESTON".
Bonjour à tous, Je viens d'éditer un magazine sur le doublage (bimestriel) avec une formidable interview de Marc Cassot au sommaire (entre autres). OLIVIER
J'ai pris contact avec Olivier et il m'a transmis un peu plus d'informations sur cette édition. En voici la teneur :
Bonjour France Darnell,
Merci de votre retour si enthousiasmant.
Le magazine est bien à 23 euros.
Le prix est élevé car il s'agit d'un mook (entre le magazine et le livre) dans une édition de très bonne qualité (magazine collector numéroté, couverture cartonnée et papier 135 grs).
Un document intéressant que j'ai découvert hier. Il date du 18 avril 2016. Son intérêt réside dans le fait qu'il nous informe sur ce qu'est devenu le tableau peint en 1953 par Charlton Heston "Macbeth", qui figurait au catalogue Bonham's pour la vente aux enchères des biens de l'acteur, le 22 mars 2016. Il m'est agréable d'apprendre que c'est un musée des Bermudes qui l'a acquis.
Je vous laisse découvrir l'histoire de ce tableau.
L'acteur Charlton Heston a peint la scène de la bataille d'après une représentation de la tragédie shakespearienne "Macbeth" dans laquelle il est apparu à Fort St. Catherine, aux Bermudes en 1953 . Le tableau a été récemment acquis par le Masterworks Museum of Bermuda Art. Le tableau a été exposé à la galerie Botanical Gardens tandis que le monde commémore le 400e anniversaire de la mort de William Shakespeare.
La célèbre représentation aux Bermudes, en 1953, de la tragédie MACBETH de William Shakespeare qui avait été organisée au fort Sainte-Catherine, était pleine de bruit et de fureur - avec, à un moment donné, de véritables incendies qui traversaient les remparts du bastion de l'East End.
Le lauréat du Future Academy Award, Charlton Heston, a joué le rôle principal dans la mise en scène épique de Macbeth aux Bermudes. Peintre amateur talentueux, l'acteur a immortalisé la scène de clôture enflammée de la production locale, dans une toile vibrante récemment acquise par le Masterworks Museum of Bermuda Art et accroché à la galerie Botanical Gardens.
"Le 23 avril marque le 400e anniversaire de la mort de William Shakespeare en 1616", a déclaré Elise Outerbridge, conservatrice de Masterworks. "Nous avons été approchés par l'un de nos directeurs, Conchita Ming, pour voir si nous étions intéressés à participer à une foule d'activités à travers le monde commémorant l'événement."
Ecrivain, poète et acteur, largement considéré comme le plus grand écrivain de langue anglaise et le dramaturge le plus éminent du monde, Shakespeare est né dans la ville anglaise de Stratford-upon-Avon en 1564.
Les œuvres connues, y compris les collaborations, consistent en quelque 38 pièces de théâtre, 154 sonnets, deux longs poèmes narratifs et des divers versets. Ses pièces ont été traduites dans toutes les langues majeures et sont maintenant interprétées et lues plus souvent et dans plus de pays que jamais auparavant.
La prédiction du grand poète et dramaturge anglais, son contemporain Ben Jonson : "William Shakespeare n'a pas d'âge mais il est éternel", a été accomplie depuis longtemps.
"Evidemment, il y a une forte connexion entre les Bermudes et le Barde, étant donné que son roman fantastique de 1611 " The Tempest ", a été inspiré, en partie, par l'échouage du Sea Venture en 1609 sur l'île", a déclaré Mme Outerbridge.
"Et aussi, nous avons accroché une série d'eaux-fortes au musée réalisées par l'artiste bermudienne Betsy Mulderig, illustrant des scènes de cette pièce.
"Mais par pure coïncidence, ou peut-être à cause d'une touche de prédestination qui alimente l'intrigue de Macbeth, Tom Butterfield, fondateur et directeur artistique de Masterworks, parcourait le catalogue d'une vente à venir des commissaires-priseurs Bonham's. Et il est tombé sur la peinture de Charlton Heston de la célèbre représentation aux Bermudes, de Macbeth mise en vente. "
Le Conservateur de Masterworks a dit que le timing de l'enchère de mars n'aurait pas pu être plus fortuit : «Nous avons décidé que le tableau compléterait parfaitement notre collection - ainsi que l'hommage parfait des Bermudes à William Shakespeare alors que le monde célèbre son héritage et sa pertinence. Masterworks a donc réussi à enchérir. "
Le 11½in par 15½ (NDT : 29 x 39.3cm.) de la peinture à l'huile, signé "C. Heston ", dépeint le point culminant enflammé de la production des Bermudes.
Une note de M. Heston attachée à l'arrière du tableau explique comment la pièce a été mise en scène sur les remparts du fort marin centenaire, avec le vent attisant les flammes derrière les combattants brandissant l'épée, tandis que le seigneur de guerre écossais Macbeth est renversé du trône qu'il a usurpé, par une armée d'opposants dans la scène finale.
La note de M. Heston conclut: "C'était sans doute le combat de Macbeth le plus efficace jamais organisé."
À l'aube de devenir une célébrité internationale, lorsqu'il travailla aux Bermudes au début des années 1950, M. Heston (1923-2008), originaire de l'Illinois, devint rapidement l'un des hommes les plus populaires et les plus éminents d'Hollywood.
Il s'est spécialisé dans les personnages plus grands que nature et a joué dans des blockbusters comme Ben Hur, pour lequel il a remporté son Oscar, Les Dix Commandements, El Cid, 55 Jours de Pékin, L'Agonie et l'Extase, Khartoum, La Planète des singes et les trois mousquetaires.
Acteur de formation classique, M. Heston a dit un jour que " les grands rôles sont toujours shakespeariens " et il a fait ses débuts à Broadway dans Antoine et Cléopâtre du dramaturge.
En plus de sa performance scénique comme Marc Antoine en 1947, M. Heston a interprèté de nouveau le politicien romain dans les adaptations cinématographiques de Jules César de Shakespeare en 1950 et 1970 et encore, sous une forme différente, dans une version cinématographique d'Antoine et Cléopâtre en 1972, qu'il a dirigé.
Il a également joué le rôle de " Player King " dans la version cinématographique de Hamlet de Kenneth Branagh en 1996. Mais Macbeth était un rôle favori pour M. Heston.
M. Heston a joué le rôle à plusieurs reprises sur scène avant et après son apparition aux Bermudes, y compris une production californienne bien reçue en 1975 dans laquelle il est apparu aux côtés de Vanessa Redgrave.
Le 22 mars, à Los Angeles, la vente aux enchères d'objets de sa propriété comprenait, outre le tableau des Bermudes, Macbeth, une précieuse collection d'éditions et d'autres pièces rares de Shakespeare.
La production des Bermudes de Macbeth a été mise en scène sous ce que M. Heston a appelé : "la direction hautement imaginative" de Burgess Meredith.
Un plateau réussi et réalisé par le pilier de Hollywood, probablement le plus connu aujourd'hui pour avoir été l'entraîneur Mickey Goldmill, dans le Rocky 1976 et les deux suites, de Sylvester Stallone, nominé aux Oscars, Mr Meredith a choisi Fort St Catherine comme cadre sinistre et envoûtant pour la pièce.
Probablement écrit entre 1599 et 1606, Macbeth raconte l'histoire teintée de surnaturel, d'un noble écossais ambitieux qui s'empare du trône avec l'aide de sa femme intrigante et d'un trio de sorcières.
«L'endroit était bondé», a rappelé l'ancienne agente des affaires culturelles des Bermudes, Ruth Thomas, qui a assisté à la représentation de 1953 alors qu'elle était une jeune femme. "Il y avait des chaises près de la plage. C'était magique, parce qu'ils avaient allumé le fort.
"Voir les sorcières sortir qui sait d'où, était fabuleux. Macbeth se tenait au sommet du fort. C'était puissant. "
Cependant, la production locale acclamée internationalement a également ajouté à la réputation de longue date de Macbeth comme jeu malchanceux pour des acteurs.
Selon la superstition théâtrale, on dit que Macbeth est maudit et les acteurs évitent de dire son nom au théâtre - l'euphémisme :"La pièce écossaise" est utilisé à la place..
La "malédiction écossaise" - blâmée pour diverses blessures et les accidents qui ont eu lieu au cours des productions de la pièce pendant près de 400 ans - a même atteint M. Heston
À un moment donné de la représentation, il a dû se précipiter en coulisses avec des brûlures à l'aine et changer de costume entre les scènes. Quelqu'un avait blanchi ses collants avec du kérosène et cela a apparemment interagi avec la sueur chaude d'un cheval pendant qu'il traversait les créneaux du fort Sainte-Catherine pendant une scène, lui causant une douleur intense.
Et dans son Journal, M. Heston s'est également souvenu d'avoir été «renversé par une motocyclette» le jour de l'ouverture de la production des Bermudes.
Pour aggraver les choses, quand une façade en bois a été incendiée pour la scène culminante de la bataille, le vent a déplacé la fumée et les flammes vers le public. Heureusement, personne n'a été blessé.
Malgré ces accidents, M. Heston est retourné avec plaisir aux Bermudes en 1954 pour apparaître dans une production locale de la comédie Born Yesterday aux côtés de ses interprètes originaux de Broadway, Jan Sterling et Paul Douglas.
A son retour, il a dit que la pire chose qui lui était arrivée, était de recevoir un coup de soleil sur une plage de la côte sud quand il posait pour des photos publicitaires avec ses co-stars.
M. Heston a également entretenu un lien avec l'île pendant de nombreuses années, grâce à son amitié étroite avec l'actrice bermudienne Diana Douglas et son deuxième mari, le producteur et écrivain américain William Darrid, avec lequel il avait partagé un appartement à New York. Ils débutaient tous deux dans des carrières théâtrales.
Mme Douglas, première épouse de l'icône hollywoodienne Kirk Douglas et mère du double lauréat d'un Oscar et ancien résident des Bermudes, Michael Douglas, est décédée l'an dernier à l'âge de 92 ans.
M. Heston a dit des Mémoires In The Wings, succès 1999 de l'actrice bermudienne, "Diana Douglas Darrid a eu une vie riche, remplie, comme actrice, femme et mère de superstars de Hollywood, qu'elle a pénétré avec esprit et perspicacité désabusée, les intimités et les défis du showbusiness. Elle est un auteur excellent."
Et il a lu le poème de Robert Frost, Stopping by Wood, lors d'une soirée enneigée au service commémoratif de M. Darrid au Writers Guild Theatre de Beverly Hills après la mort de ce résident à temps partiel des Bermudes en 1992.
Après le service, il s'est souvenu affectueusement des membres de la famille des Bermudes et des amis présents lors de ses visites sur l'île.
1954 - Chuck avec Jan Sterling et Paul Douglas aux Bermudes
Le film noir n'a jamais été aussi élégant - ou effrayant.
En 1941, le réalisateur Orson Welles a sorti son premier film, Citizen Kane, qui a connu un succès financier limité, mais a reçu un accueil très favorable de la critique. Le film, influencé par le style noir émergent, utilise de nombreux mécanismes du genre mais va bien au-delà des conventions habituelles, présentant un éventail varié de techniques cinématographiques qui seront associées à Welles en tant que réalisateur de cinéma. L'utilisation de la caméra par Welles, en particulier, le définira comme un artiste unique ; une large palette de longues prises de vue, de coupures abruptes, de plans en profondeur et de plans décentrés vertigineux sous presque tous les angles imaginables constitue le cœur du savoir-faire cinématographiques de Welles.
17 ans plus tard. En 1958, les studios Universal sortent Touch of Evil, le 9ème long métrage de Welles. Comme Kane, le film est peu remarqué et rapporte peu d'argent, en grande partie à cause des techniques de remontage que le studio a utilisées pour couper les bords idiosyncrasiques¹ de la conception artistique de Welles. Les critiques de l'époque considéraient Touch of Evil comme un simple film de série B, ce qui n'a pas été facilité par la promotion odieuse et peu subtile du film, qui n'a fait que mettre en avant les " frissons bon marché " de la violence et (pour l'époque) de la sexualité. Malgré le mépris des critiques à l'époque de sa sortie en 1958, le film est aujourd'hui considéré sous un jour beaucoup plus favorable par le public contemporain et les spécialistes du cinéma, en grande partie grâce aux techniques de caméra inventives qui constituent la colonne vertébrale du film. Dans Touch of Evil, Welles et le directeur de la photographie Russell Metty créent un langage visuel dense grâce à l'utilisation des mouvements et du positionnement de la caméra, ce qui contribue à dépeindre un monde plus effrayant et perturbé que le Xanadu de Charles Foster Kane.
¹ Idiosyncrasie : Manière d'être particulière à chaque individu qui l'amène à avoir tel type de réaction, de comportement qui lui est propre.
Prenez par exemple ce plan impressionnant qui ouvre le film. Il n'est peut-être pas aussi cité que les longues prises de vue de Welles dans Kane, comme la séquence de flash-back "Union Forever", mais Evil commence par ce qui est peut-être le plan le plus impressionnant du réalisateur sur le plan technique. D'une durée de 3 minutes et 20 secondes, l'éternel plan panoramique (réalisé à l'aide d'une grue) présente les principaux protagonistes, les jeunes mariés Mike Vargas (Charlton Heston), un haut fonctionnaire du gouvernement mexicain chargé de la lutte contre la drogue, et son épouse américaine Susie (Janet Leigh), alors qu'ils traversent la frontière entre les États-Unis et le Mexique pour entamer leur lune de miel. Grâce à la fluidité du mouvement offert par le plan continu, une distinction claire est faite entre les deux pays et leurs différentes cultures - à ce stade, il s'agit d'un simple motif visuel, mais qui deviendra plus tard l'un des thèmes du film avec l'introduction du personnage de Welles, le capitaine de police raciste Hank Quinlan. Dès le début de la scène, la tension est à son comble ; la toute première chose montrée au spectateur est un personnage non identifié qui pose une bombe à retardement à l'arrière d'une voiture. Le tic-tac de la bombe constituant un métronome démoniaque, le public est obligé de rester sur le bord de son siège tout au long de la scène, attendant d'être soulagé du suspense insupportable de savoir qui va mordre la poussière. Le fait que la scène soit un long plan, où l'attention est explicitement attirée sur sa continuité, renforce le suspense de la procédure. Cette longue prise de vue démontre que la durée du plan peut être aussi importante pour la réalisation que les éléments de mise en scène plus courants que sont le cadrage ou l'éclairage. Le rythme unique du plan offre un contrepoint saisissant à la plupart des autres films de l'époque et signale instantanément au public l'étrangeté et, surtout, la rupture du monde qu'il s'apprête à voir. Avec ce seul mouvement fluide, Welles parvient à présenter les principaux personnages du film ainsi que leurs problèmes. Comme dans le cas de Kane, il a compris, grâce à sa vaste expérience du théâtre, que le fait de laisser tourner la caméra sans couper le son donnait au public l'impression d'être une mouche sur le mur, d'être dans la pièce avec les personnages.
Image via Universal
Touch of Evil fait également appel à de nombreuses utilisations notables de plans en contre-plongée. Cette technique, qui est l'un des éléments les plus célèbres du film (et de l'œuvre de Welles), est utilisée pour produire un effet psychologique tout en étant élégante : elle permet de faire paraître le sujet du plan fort et puissant d'une manière qui n'est pas possible avec un plan classique. Pendant le tournage de Kane, Welles n'arrivait pas à faire descendre la caméra assez bas à son goût, il a donc fait des trous dans le sol du plateau. Cette astuce technique a également permis de montrer les plafonds du plateau à la caméra, une rareté dans les films de l'âge d'or d'Hollywood, afin d'ajouter plus de réalisme à l'image. Dans Touch of Evil, l'intention des plans en contre-plongée est surtout d'attirer l'attention du public sur les personnages marginaux et moralement corrompus qui sont au cœur du film. Ainsi, le principal antagoniste du film, le brutal Hank Quinlan, qui ressemble à un ogre, est vu d'en bas pendant la majeure partie de la durée du film ; le public est informé du niveau de pouvoir de Quinlan et de la méchanceté qui l'habite. Ce n'est que lorsque le personnage tombe en disgrâce après 12 ans de sobriété qu'il est dépeint sous un jour moins dominateur, d'en haut, pour démontrer à la fois sa faiblesse face à l'alcool et la perte de pouvoir dont il souffre maintenant suite à l'enquête de Vargas sur ses pratiques policières corrompues. D'autres exemples de plans en contre-plongée parsèment le film, notamment en ce qui concerne les membres de la famille de "l'oncle" Joe Grandi, le frère (probablement criminel) d'un homme que Vargas a récemment fait enfermer pour trafic de drogue. A la fois pour montrer sa nouvelle allégeance à Quinlan et pour exercer sa propre vengeance, le psychotique Grandi demande à sa famille de terroriser la femme de Vargas, Susie, dans le motel où elle séjourne (dont il est également propriétaire). Pour démontrer le pouvoir collectif du groupe sur la solitaire Susie, les durs à cuire sont systématiquement montrés de dessous, ce qui leur donne une nature imposante et indéniablement méchante. Lorsque les individus menaçants s'avancent finalement vers Susie, sans défense, dans la forteresse de sa chambre, un puissant mélange de plans bas et de coupes abruptes est utilisé pour mettre en évidence le chaos et la terreur pure qui sous-tendent la procédure ; le point de vue devient celui de Susie, qui a peur.
Une autre technique cinématographique quelque peu omniprésente dans le film est l'utilisation par Welles de la mise au point profonde, un type de plan où le premier plan, le second plan et l'arrière-plan sont tous facilement visibles. En créant une riche profondeur de champ, Welles utilise ces plans tout au long du film pour respecter le temps et l'espace naturels. L'exemple le plus notable de ce film est sans doute une scène célèbre dans l'appartement de Sanchez. Marié à la fille d'une des victimes de la détonation qui ouvre le film, le jeune Mexicain Sanchez est finalement accusé du meurtre par Quinlan et ses associés policiers américains parce qu'ils ont placé des bâtons de dynamite dans la salle de bains du premier - un fait qui n'est pas passé inaperçu pour Vargas. Dans la scène en question (en fait, un plan long de 5 minutes), Sanchez est soumis à un interrogatoire musclé dans son appartement par les officiers américains, sous le regard consterné de Vargas, seul défenseur de Sanchez. Pendant une grande partie du plan, la caméra fait tout son possible pour garder tous les personnages dans le cadre, qu'ils soient pertinents ou apparemment sans importance. Cela peut être attribué à l'objectif grand angle utilisé par Welles, qui offre une profondeur de champ beaucoup plus grande que le téléobjectif couramment utilisé à l'époque et qui permet aux individus de se profiler dans le plan d'une manière quelque peu inquiétante. Dans cet exemple, jusqu'à 7 personnages différents peuvent être vus en même temps dans le cadre étroit de l'appartement (noté par Welles pour créer délibérément un sentiment de claustrophobie) : Vargas, Quinlan, Sanchez, Grandi et divers policiers américains. Le regard et l'expression de chaque individu peuvent être enregistrés, formant une riche mosaïque visuelle pour le public. La nature d'un champ aussi large, accompagnée de la superposition des dialogues (un autre élément essentiel du film, déjà utilisé dans Citizen Kane), forme une image déroutante qui est aussi intrinsèquement réaliste. À travers le miroir, ce monde infernal et corrompu ressemble davantage au nôtre.
Image via Universal
Le film présente également de nombreuses compositions de caméra que l'on peut qualifier de peu réalistes, et qui s'inspirent plutôt de l'expressionnisme allemand d'avant-garde. La scène susmentionnée, dans laquelle Susie est terrorisée par les proches de Grandi, en est un exemple. La caméra est alimentée par une pure énergie nerveuse et se lance dans une multitude de gros plans extrêmes et d'inclinaisons de type rigolo. Pourtant, dans un film où presque chaque plan est plus ou moins décalé, il y en a un en particulier qui remporte la palme : le dénouement final. Dans cette scène tendue, où l'on voit Vargas suivre à l'extérieur un Quinlan ivre avec un magnétophone pour obtenir des aveux, rien n'a de logique. Le paysage est montré sous une variété d'angles excentriques : de haut, d'en bas et surtout de côté, le nombre de degrés d'inclinaison de la caméra semblant presque purement aléatoire. Des gros plans très déformés de Vargas, fournis par l'objectif grand angle, sont également disséminés. La séquence devient un flou presque carnavalesque, un mirage hallucinatoire d'images désordonnées. Parfois, la caméra est sur Vargas, parfois sur Quinlan et son partenaire, Menzies, et d'autres fois sur aucun des deux. Si cela semble anodin, c'est l'ordre des plans qui est déroutant, servant à désorienter le spectateur et à l'amener à s'interroger sur la véritable composition du décor qu'il regarde. La scène fonctionne assez bien à cet égard, en essayant d'obtenir une réponse émotionnelle du public ; dans ce cas, la désorientation accompagnée de la peur que Vargas gâche sa dernière chance de blanchir son nom et que le mal triomphe.
Aujourd'hui, Touch of Evil est considéré à juste titre par les spécialistes du cinéma comme un tour de force cinématographique, qui pimente les conventions du film noir avec des éléments d'expérimentation qui en font presque une chose complètement différente : un prototype psychologique par moments. Malgré cela, le film ne reçoit pas le quart de l'attention et des éloges dont a fait l'objet Citizen Kane, le premier film de Welles, et ce, malgré le fait que Touch of Evil pousse à fond les paramètres cinématographiques de ce film et produit un effet très différent de l'étude de caractère réfléchie de ce film. C'est peut-être le syndrome du "premier est le meilleur", le fait que Touch of Evil, tout aussi bien construit, ait dû suivre ce premier film, mais Touch of Evil mérite sans aucun doute d'être reconnu pour son rôle dans l'établissement d'une forme avant-gardiste du film noir. Il est aussi terrifiant qu'un Hitchcock à son apogée, et il parvient à réunir habilement le commercial (les sensations fortes) et le non-commercial (les techniques excentriques de caméra ) dans un film qui peut être apprécié aussi bien avec du pop-corn que comme sujet d'étude.
