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Michael Munn : A biography Charlton Heston - Page 5

  • 19 - "Charlton Heston une biographie " de Michael Munn - (traduction par Adrien P.)

     

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    Il s'avance courageusement

    IL VIT LES BUS A IMPERIALE CINEMATOGRAPHIQUES enfin arriver à Almeria comme des renforts longtemps attendus. Il se sentit un peu comme un général guidant son bataillon de tanks, et ce fut d'autant plus frustrant quand il devint clair que les bus ne pourraient pas suffisamment s'approcher du château de l'Alcazaba1 à cause des fils aériens trop bas. Au moins, ils étaient là, de sorte que Charlton pourrait bien assister à la séance de montage d'Antoine et Cléopâtre tout en restant au milieu des dunes de sable du petit mais néanmoins caniculaire désert d'Alméria.

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    https://fr.wikipedia.org/wiki/Alcazaba_(Almer%C3%ADa)

     

    Ça commençait enfin à prendre forme. Depuis qu'il avait joué Antoine et Cléopâtre à Broadway, cette pièce était passée des millions de fois dans son moviola2 mental. Depuis qu'il avait gagné son Oscar pour Ben-Hur il y a onze ans, il avait accompli la prophétie qu'annonçait l'affiche de La Main qui venge ; il était devenu une figure forte à l'écran et jamais autant que maintenant, en 1971, où il dirigeait le projet le plus palpitant, le plus créatif de sa carrière : l'adaptation au cinéma d'Antoine et Cléopâtre. Il avait mis son propre argent en jeu. C'était un risque qu'il devait prendre – un risque qu'il voulait prendre.

    Il avait déjà été impliqué dans la préparation d'un film même si son travail d'acteur avait toujours été prépondérant jusque là. Maintenant qu'il coproduisait avec Peter Snell, il sentait tout le poids des énormes responsabilités qu'implique un film. Depuis son arrivée en Espagne avant tous ses acteurs, il avait fait face aux difficultés l'une après l'autre et les avait surmontées. Le toit du plus grand studio d'Espagne, à Sevilla Studio, s'était effondré, les laissant sans studio suffisamment grand pour filmer l'intérieur du palais. Il fallut faire des compromis impliquant des coûts supplémentaires. Et après ça, les bus cinématographiques furent retenus à Bilbao par la douane et ne furent relâchés qu'une fois qu'Heston se fut acquitté d'une caution. Ils arrivèrent juste le jour où le tournage devait commencer.

    Maintenant, ils ne pouvaient pas faire rentrer les bus dans l'Alcazaba, le château où le style romain du toit et des bâtiments blancs imitaient parfaitement Rome et l’Égypte et où Charlton avait découvert une arène parfaite pour les combats de gladiateurs. Il savait cependant que tout serait prêt et en ordre dès le lendemain. Il inspecta encore une fois les lieux de tournage dans le château. Ici s'élevaient des parties du palais de César, et à l'arrière une porte pour la scène d'adieu entre Antoine et César. Il inspecta son équipe d'acteurs. Tout le monde était là,  sauf Carmen Sevilla qui devait jouer Octavia – Sevilla n'arriverait pas avant quatre jours. Il y avait eu tant de choses à planifier, tant à reporter.

    Il n'y avait pas si longtemps de cela, il passait la soirée avec son ami réalisateur Frank Schaffner autour d'un verre de whisky. Charlton dit alors : « Frank, je crois que je vais réaliser ce film. »

    « pourquoi pas ? » répondit Frank. « Rien ne s'y oppose. »

    Maintenant tout était en place et Charlton était sur le point de réaliser son premier long métrage. Il a déclaré depuis lors que réaliser un film, c'était comme diriger une opération militaire. Si c'était le cas, il était prêt pour la grande bataille.

     

    Il va d'un pas vaillant, car lui comme César

    Peuvent régler cette guerre en une victoire !

    Antoine autrefois favori – mais aujourd'hui… –. 3

    Retour au pays de l'acteur

    CHARLTON N'AVAIT JAMAIS RECU UNE OFFRE AUSSI RADICALE : réaliser un film sur la vie du Christ ! Ben-Hur venait juste de commencer à être distribué, Les Dix Commandements était encore à l'affiche, et Charlton était déjà considéré comme une autorité pour les films bibliques. Il n'était pas surprenant que lui soient soudainement envoyés des scripts épiques, mais en réaliser un ?

    Cette course de char avait certainement soulevé de la poussière. En 1960, son statut dans l'industrie du cinéma était tel qu'il était considéré comme deux fois plus important et digne d'autorité qu'aucun autre acteur à Hollywood. Et les acteurs étaient soudainement en vogue aussi en tant que réalisateurs. John Wayne était à la fois devant et derrière la caméra pour Alamo1, Marlon Brando avait un sentiment de satisfaction en dirigeant La Vengeance aux deux visages2, et Laurence Olivier avait prouvé qu'il était le meilleur réalisateur de films shakespeariens au monde.

    Heston n'aurait donc pas dû être surpris lorsque juste deux mois après avoir reçu la proposition de réaliser un film sur le Christ, MCA arriverait avec une autre offre de réalisation, en lui promettant deux millions de dollars !

    Il rejeta cependant cette offre tout comme la précédente. Il avait le sentiment qu'il ne pouvait pas réaliser un film, et il n'en avait tout simplement pas l'envie. Un avis qu'il maintiendrait durant des années jusqu'à ce moment où il sentit qu'il ne pouvait pas se permettre de voir lui passer sous le nez le projet de toute une vie.

    En tant qu'acteur, Il était désormais dans une position plus forte que jamais auparavant. Souhaitant faire quelque chose de plus modeste après Ben-Hur, Heston choisit de faire Cargaison dangereuse3 avec Gary Cooper. Le film restait vraiment celui de Cooper avec Heston jouant un rôle secondaire. Ce fut le pénultième4 film de Cooper avant que le cancer ne l'emporte, mais durant le tournage, lui et Heston développèrent une amitié qui dura jusqu'à la mort de Cooper.

    La scène la plus palpitante du film était celle d'ouverture, dans laquelle Heston, jouant un sauveteur, découvre par hasard un bateau à la dérive, le Mary Deare, en train de brûler, mystérieusement abandonné dans la tempête.

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    Cette scène fut tournée dans le réservoir d'eau de la MGM, et le réalisateur Michael Anderson envisagea d'utiliser une doublure pour remplacer Heston qui devait se hisser sur le côté d'un bateau tanguant tandis que des vagues artificielles projetaient l'embarcation plus petite du sauveteur contre la coque du vaisseau et que des ventilateurs fouettaient  tout le décor avec un jet d'eau brûlante. 

    Anderson m'a dit :

    « C'était très dangereux. J'ai proposé une doublure à Heston, il pesa le pour et le contre et il estima que je pouvais tourner des plans rapprochés ; et que si je voulais m'approcher suffisamment pour que l'on voit de qui il s'agissait, alors il préférait le faire lui-même. Il l'a donc fait lui-même, et l'on a pu voir que c'était lui, ce qui en valait la peine

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    Ce n'était cependant pas aussi simple que s'y attendait Chuck. Il s'était entraîné à grimper à la corde dans la salle de sport du studio, mais c'était tout autre chose avec le vent, les gouttelettes et le décor mouvant. Dépassant ses limites, il sentit soudain une douleur foudroyante à la jambe qui l'affaiblit considérablement. Tout ceci pendant que les caméras tournaient et qu'il savait qu'il ne pouvait pas abandonner au milieu de la scène. Il y avait encore trois mètres5 à faire, et il continua de se dépasser, se hissant au-dessus de la rambarde et se laissant rouler sur le pont, gémissant de douleur. Ne s'étant pas rendu compte qu'il s'était blessé, Anderson lui dit alors : « allez, encore une fois. »

    « Pardon Mike, lui répondit Heston, mais tu ferais mieux de garder celle-là. ».

    Ce n'est qu'alors que le réalisateur se rendit compte que Charlton s'était blessé. Il fut transporté à l'infirmerie du studio où on lui prescrivit une thermothérapie pour ce qu'on soupçonnait être un tendon déchiré. Quand la douleur diminua, il retourna travailler le même jour, et bien qu'il n'ait vraiment jamais manqué une journée de tournage, même s'il s'avéra que le tendon n'était pas endommagé, il n'était pas en état de rejouer la scène d'escalade. Fort heureusement, la prise qu'avait faite Anderson était plus que suffisante, annonçant la couleur du film quand Heston découvre le capitaine, Gary Cooper, dirigeant le navire en direction des récifs pour le couler, enflammant ainsi le mystère qui va occuper tout le reste du film.

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    À mi-chemin durant le tournage, Heston eut droit à un congé pour aller jouer Macbeth à Ann Arbor, dans le Michigan. En fait, MGM avait reporté leur film afin qu'Heston puisse de nouveau jouer son rôle de « casse-cou ».

    Bien que John O'Shaughnessy soit le metteur en scène, Heston découpa et adapta lui-même la pièce. Ça lui faisait du bien de retourner au "pays de l'acteur" même si la pièce fut montée si rapidement et la tournée fut si courte qu'il aurait voulu continuer encore un peu. Il avait clairement laissé sa marque sur l'oeuvre. Grâce au contrôle qu'il exerça sur le découpage de la pièce, il avait inclus comme toujours l'horrible scène de décapitation si souvent laissée de côté par les autres productions à cause de son côté gore. Heston fait remarquer que la décapitation est « un des rares choix de mise en scène de Shakespeare qui soit vraiment Shakespearien. » Il soutient également que « c'est la catharsis6 tragique à la fin des 4 actes d'une des plus grandes pièces qui soit. »

    Bien qu'il ne soit en aucun cas le seul acteur américain à avoir interprété Shakespeare, c'est sa compréhension aiguë qui fit de lui l'un des rares et probablement l'un des plus remarquables Américains à avoir joué Shakespeare avec succès.

    Il retourna à Hollywood pour continuer Cargaison dangereuse et passa même quelques temps en Angleterre pour jouer quelques scènes chez Elstree Studios. Le travail en lui-même n'était pas particulièrement stimulant, surtout après Macbeth, mais il fit naître une amitié avec Gary Cooper avec qui il allait souvent dîner.

    Cargaison dangereuse ne fut pas vraiment un film valorisant à faire, et Charlton n'était pas vraiment pressé de devoir travailler sur un nouveau film. Il avait le mal du "pays de l'acteur", surtout après la courte et attrayante tournée de Macbeth qui lui donnait envie de retourner sur la scène. Les scenarios de films continuaient d'affluer, mais Chuck choisit de faire State of the Union à Santa Barbara en Californie – et Lydia allait jouer dedans avec lui. Ils avaient déjà joué cette pièce dans le Thomas Wolfe Memorial Theater en Caroline du Nord,  donc ils n'étaient pas en terrain inconnu.

    Ils n'avaient qu'une semaine pour monter le spectacle. Les quelques premiers jours furent chaotiques et l'équipe d'acteurs avait à peine assez d'expérience pour travailler au rythme qu'exigeait le planning. Heston était frustré par l'avancement de la pièce et prit une part active dans la mise en scène. Ce fut un désastre à l'ouverture. Quand elle s'arrêta après les cinq représentations prévues, c'était mieux qu'à la première  mais ce n'était pas une expérience théatrale à retenir. Charlton ne pouvait pas prévoir le désastre encore plus grand et douloureux à venir : The Tumbler.

     

    La construction de la maison de Coldwater Canyon était enfin finie. Suivant les indications spécifiques de Charlton, elle semblait faite d'un peu plus que du verre. Sa caractéristique la plus remarquable était la terrasse à l'extérieur de la chambre du deuxième étage au-dessus du canyon. C'était à donner le vertige ; fait architectural étonnant quand on sait qu'Heston craignait l'altitude. Il se sentait tout de même loin du tohu-bohu de Los Angeles sous ses pieds ; le lieu semblait tout à fait imprenable. Jolly West, un bon ami d'Heston, lui dit une fois : « Tu sais Chuck, c'est idéal pour lancer de l'huile brûlante sur les envahisseurs. »

    « et comment ! Répondit Heston. Ils ne peuvent pas m'atteindre ici. »

    Malheureusement, la maison n’était pas à l’abri des dangers parfois extrêmes causés par les éléments californiens. Avant même qu'ils puissent s'y installer, la maison fut endommagée par un incendie de forêt qui s'était étendu dans Bel Air, quoique les dégâts étaient superficiels comparés à ce qui arriva aux autres constructions alentours. Depuis ce temps-là, la maison réussit à résister à tout ce que la Nature lui envoyait, et finit par être connue sous le nom de « la maison que construisit Ben-Hur, » car les Heston finirent de la payer grâce à l'argent gagné avec ce film, et c'est peu dire que c'était une somme considérable.

    La maison portait encore quelques traces de l'incendie quand ils s'y installèrent – plutôt précipitamment parce que Charlton devait prendre l'avion pour New-York pour jouer une autre pièce, The Tumbler. Elle devait être mise en scène par Laurence Olivier, et quand il fallut choisir entre jouer avec Olivier ou bien accepter l'offre de Twentieth Century-Fox de faire un film avec Marilyn Monroe, Olivier gagna haut-la-main.

    The Tumbler fut écrit en vers blancs5 par Benn Levy et racontait l'étrange histoire d'un fermier joué par Heston qui devient obsédé par une jeune fille qui découvre plus tard qu'il est en fait son beau-père et elle le soupçonne d'avoir tué son vrai père. Elle finit par le pousser à se pendre. Rosemary Harris eut le rôle de la jeune fille tandis qu'Hermione Baddeley jouait la vieille femme hagarde du fermier.

    Les répétitions commencèrent plutôt vite à New-York avec Olivier rassemblant les acteurs dans sa suite à l'hôtel et jouant lui-même tous les rôles. Au fil des répétitions, Heston commença à se rendre compte que ce ne serait pas facile de faire un succès de cette pièce. Sa plus grande motivation était d'être dirigé par Olivier. Travailler avec lui sur une pièce était aussi épanouissant que de travailler avec Orson Welles sur un film. Pour la première fois de sa carrière, cependant, il se sentit intimidé par son rôle. Il se sentait à peine à la hauteur, n'arrivait pas à être convainquant un seul instant et sollicita beaucoup Olivier pour l'aider à faire ressortir l'interprétation qui devait être quelque part à l'intérieur de lui-même.

    Ils ouvrirent la pièce à Boston où les défauts d'interprétation et d'écriture devinrent douloureusement évidents. La scène d'ouverture fut entièrement réécrite et Olivier commença à couper la pièce, au grand dam de Benn Levy. Ils n'avaient aucun autre recours que de la resserrer et de l'amputer d'une grosse partie de ses dialogues. Il devint également visible qu'Hermione Baddeley ne correspondait pas au rôle et fut remplacée par Martha Scott pour le rôle de l'épouse, pour le plus grand plaisir de Charlton. Elle avait joué la mère d'Heston à deux reprises, Ben-Hur et Les Dix Commandements. C'était maintenant sa femme ! La pièce s'améliora grâce au nouveau casting et à la réédition, mais au fil de la tournée, Olivier y ajouta des morceaux, en retira d'anciens, réintroduisit des scènes et des dialogues qu'il avait laissé tomber auparavant, façonnant désespérément pour la tournée à Broadway.

    Aussi intéressant fut-il de travailler avec Olivier, faire partie de ce projet fut profondément difficile et parfois sans aucune joie. Olivier avait des problèmes personnels à cause de son mariage avec Vivien Leigh qui partait à vau-l’eau, mais il continua à consacrer son énergie à cette pièce et adora tellement travailler avec Heston qu'il espéra trouver plus de projets pour lesquels ils pourraient collaborer. Il alla jusqu'à dire à Heston : « Tu pourrais bien être le plus grand acteur américain que je rencontrerai de mon vivant. »

    Même tous les efforts héroïques de tous ceux impliqués ne purent sauver la pièce. Les revues journalistiques écrites le lendemain de l'ouverture à Broadway déprimèrent profondément toute l'équipe. Toutes étaient cinglantes sauf deux. Parmi les positives, The New York Times décrivit l'interprétation d'Heston comme « massive, masculine et fluide » tandis que The New Yorker écrivit qu'Heston était « ironique, verbeux et sexy… délivrant ses répliques avec une force écrasante. »De telles remarques personnelles ne suffirent pas à apaiser Heston qui avait l'impression qu'il n'avait pas donné une seule interprétation ne serait-ce que convenablement. Parfois, il était vraiment bon dans la première partie et mauvais dans la suivante. Parfois il tombait à plat dans la première partie mais se relevait pour les scènes finales.

    Les autres critiques étaient littéralement meurtrières. Elles tuèrent la pièce et l'annonce de sa fermeture arriva le soir-même. Ils ne donnèrent qu'une seule représentation supplémentaire qui fut la meilleure de toutes.

    Heston dit à propos de The Tumbler :

    «Je suis le seul qui réussit à tirer un quelconque profit de cette pièce. Les producteurs perdirent de l'argent et Benn Levy perdit des mois de travail. Larry Olivier y perdit également, mais j'en tirais exactement ce que je voulais : une chance de travailler avec Olivier. J'ai plus appris de lui en six semaines que je n'avais jamais appris. Je crois que j'en suis sorti meilleur acteur et avec plus de responsabilité

     

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    VOIR EGALEMENT L'ARTICLE QUE J'AVAIS PUBLIE LE 27 AOUT 2017

    http://charltonheston.blogspirit.com/archive/2017/08/27/the-tumbler-3095710.html

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    http://www.playbill.com/production/the-tumbler-helen-hayes-theatre-vault-0000004507 

     1 En Espagne, citadelle d'une ville fortifiée (larousse.fr)

    2 « visionneuse sonore professionnelle, utilisée pour le montage. » (Larousse.fr)

    3 Une réplique dite par Cléopâtre dans la scène 4 de l'acte IV

    4 l'avant-dernier

    Le vers blanc est un vers qui ne rime pas. En anglais, il s'agit du pentamètre iambique : un vers comprenant cinq accents toniques

    Catharsis signifie (selon Aristote), la purification de l'âme délivrée de ses passions chez le spectateur d'une pièce de théâtre dramatique.(référence L'INTERNAUTE)

  • 18 - "Charlton Heston une biographie " de Michael Munn - (traduction par Adrien P.)

     

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    « Le film le plus difficile que j'aie jamais fait ! »

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    SS UNITED STATES (photo Wikipedia)

    Ce fut une longue croisière luxueuse, plus semblable à des vacances de millionnaire qu'à un trajet professionnel. Le SS United States était jonché de banderoles et ses passagers étourdis par le champagne millésimé tandis que les Heston voyaient la Statue de la Liberté pour la dernière fois dans les dix prochains mois.

    La traversée de l'Atlantique fut paisible, et si Charlton avait pu prévoir le temps très dur à venir, il se serait sans doute délecté de chaque moment de liberté dont il pouvait jouir pour l'instant. L'ambiance de vacances prit cependant fin une fois débarqués à Southampton. Les Heston montèrent dans le train pour Londres et se retrouvèrent assiégés par les journalistes, prévenus par MGM qui avait effectivement organisé une difficile campagne de publicité avant même que les caméras n'aient commencé à tourner à Rome. Même quand Charlton et sa famille arrivèrent au Dorchester Hotel – son hôtel Londonien préféré – il devait encore repousser des questions sur un film qu'il n'avait même pas commencé à faire.

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    Dorchester Hotel  (photo Google)

    Après d'autres appels de la presse à Londres, il prit l'avion pour Dublin afin d'y rencontrer les journalistes, et ensuite, en route1 pour Rome, ils s'arrêtèrent à Paris pour rencontrer la presse Française. Il se passa presque un mois entier entre leur départ de Londres et leur arrivée en train à Rome.

    La Stazione Terminale2 bouillonnait de fans et de journalistes italiens. Quand le train s'arrêta et que Charlton Heston apparut, un cri surgit de la foule : « C'est Moïse ! C'est Moïse ! » un véritable assaut s'ensuivit.

    Les Heston furent emmenés dans des Cadillacs qui les attendaient hors de la gare vers la somptueuse villa où ils vivraient dans la splendeur et le luxe pendant les dix prochains mois. Ils eurent sûrement l'impression qu'ils étaient déjà sur le plateau de tournage de Ben-Hur. La villa était étonnamment antique avec son sol en marbre, ses plafonds en arches sculptés de bas-reliefs et ses rangées de fontaines et de statues.

    Le lendemain – l'anniversaire de Lydia – ils allèrent au restaurant d'Alfredo où ils étaient allés six ans plus tôt pour la première fois pendant qu'ils étaient en tournée pour le film sur le cirque. Maintenant, il allait apparaître dans le Cirque romain !

    Il restait un mois avant le début du tournage, mais Charlton avait déjà du travail à faire. Sa première tâche était d'apprendre à conduire un chariot grâce à l'aide du célèbre cascadeur et réalisateur de films d'action Yakima Canutt. Un an avant que Charlton ne pose un pied sur le plateau de tournage pour le cirque, un millier d'ouvriers avaient commencé à construire l'incroyable arène, qui était à l'époque le plus grand plateau de tournage jamais construit pour un film. Il fut construit sur une carrière de pierre tout au fond des Studios de Cinecitta, où le film devait être tourné, couvrant une surface d'environ 7,2 hectares3. Le directeur artistique Edward Carfagno l'avait dessiné sur le modèle du cirque antique d'Antioche, où se passe la course dans le film.

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    Le sol de la piste construite sur une base en pierre, était couvert de 40 000 tonnes de sable blanc importé depuis les plages méditerranéennes. Derrière le plateau se trouvaient des bâtiments pour les loges, des tentes pour le maquillage et une cantine prête à servir 5 000 personnes en 20 minutes.

    Une piste d'entraînement spéciale, de la même taille que celle du lieu de tournage, fut créée de sorte que Charlton, son partenaire Stephen Boyd et sept cascadeurs Hollywoodiens puissent passer les 4 à 6 prochaines semaines à s'entraîner pour être auriges.

    La course était comme un film en lui-même, avec un script de 35 pages parfaitement distinct du reste du film, préparé par Yakima Canutt, décrivant chaque action et chaque cascade. 70 chevaux venus de Yougoslavie et 8 de Sicile furent importés à Rome pour être dressés par Glenn Randall six mois avant le début du film. Au moment de commencer à travailler avec eux, ils savaient bien mieux ce qu'ils devaient faire que lui-même.

    Canutt fit débuter Heston avec un équipage relativement docile pour s'entraîner. Il grimpa dans un chariot aux côtés de Charlton qui manœuvrait frénétiquement les rênes tout en essayant de ne pas avoir l'air terrifié. Yak finit par descendre sans un mot du chariot tandis qu'Heston, qui ne savait pas qu'il était maintenant tout seul, parcourait la piste à toute vitesse. Certain que son élève aurige s'en sortirait avec l'antique véhicule, Yak dit à William Wyler qu'Heston n'aurait pas besoin de doublure pour le tournage. Tandis que l'assurance d'Heston aux commandes du char grandissait, Canutt lui donna un équipage moins docile jusqu'à ce qu'enfin, tous les auriges furent prêts à répéter la scène dans le véritable décor.

    « écoutez les gars, » dit Yak aux cascadeurs, « faites que ça ait l'air rapide, dangereux et bien, mais laissez Chuck gagner, c'est clair ! »

    Quand Charlton exprima ses inquiétudes à l'idée de faire la course face à tous ces cascadeurs expérimentés, Yak lui assura, « ne t'en fais pas. Je te garantis que tu vas gagner. »

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    Pendant qu'Heston apprenait à être aurige, William Wyler travaillait frénétiquement sur son script, essayant de le rendre réalisable4 - une grande partie des dialogues était insipide et certaines scènes n'étaient pas encore abouties. Karl Tunberg avait écrit le script original, mais vu tout le travail qu'il y avait à faire dessus, Wyler, à la demande de Sam Zimbalist, fit venir Gore Vidal à Rome pour le réécrire. Wyler n'était cependant pas satisfait et le dramaturge Christopher Fry se retrouva sur le plateau à Rome et resta tout au long du tournage. Ce fut une décision cruciale d'après Heston, qui le mena dans une petite controverse plusieurs mois après la fin du tournage.

    Pour ce qui est du tournage en lui-même, il me dit :

    « J'étais bien au courant des deux ou trois scènes où Vidal proposa ses versions, et aucune d'elles ne me semblait remarquable. Aucune d'elles ne fut filmée, quoiqu'en dise Vidal.

    Si je me souviens bien, ce n'est pas Willy qui suggéra Christopher Fry. C'est Sam Zimbalist, le producteur, qui le suggéra, et dès que Fry arriva, il s'entendit très bien avec Willy, et visiblement, le travail qu'il présenta était en tout point supérieur.

    En terme du nombre total de pages, une bonne partie était encore celles de Karl Tunberg qui avait réalisé la version que Willy avait acceptée lorsqu'il avait signé le contrat 6 ou 7 mois plus tôt, mais beaucoup de répliques-clés étaient de Fry.»

    Pendant les mois qui suivirent, il partagea son temps entre tourner la scène de la course et le travail avec Wyler auprès de l'équipe de tournage principale. Son premier véritable travail d'acteur pour le film fut sa séquence d'ouverture avec Stephen Boyd interprétant son ami d'enfance Messala. Après avoir répété encore et encore et avoir tourné prise après prise, Charlton commença à penser que, comparé à cela, tourner la scène de la course de char était une partie de plaisir. Wyler avait été strict pour Les Grands Espaces, mais là, il semblait que rien de ce que pouvait faire Charlton pouvait satisfaire Wyler. Il n'avait jamais travaillé, et n'a plus travaillé depuis, avec un réalisateur aussi exigeant.

    D'après lui :

     « Travailler pour lui est vraiment épuisant. Il travaille avec obstination sur une idée sous tous les angles envisageables jusqu'à ce qu'il ait ce qu'il veut, semblant parfois n'avoir aucune considération pour les autres personnes impliquées. Avec Willy, il est normal de tourner une scène 10, 15, parfois 20 fois, ce qui peut particulièrement affecter les acteurs dans le sens où ses prises ont tendance à être très, voire trop longues.»

    Comme Wyler n'avait toujours pas ce qu'il voulait de cette scène d'amitié, Chuck lui dit : « Willy, je ne vois juste pas ce qu'on peut en tirer de plus, je suis vraiment perdu. »

    Wyler lui répondit : « Je sais, mais c'est notre seule chance de montrer que ces deux hommes sont amis. Si le public ne croit pas qu'ils s'aiment, alors le fait qu'ils en arrivent à se détester ne l'intéressera pas. »

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    Dans une tentative de mener cette scène à sa fin de façon satisfaisante, Charlton tapa à la machine une longue note à Wyler pour lui soumettre ses idées sur la scène et les personnages. C'était une effroyable erreur. Wyler n'acceptait pas que ses acteurs prennent ce genre d'initiative, et Heston fut dans la liste noire de Wyler les semaines qui suivirent, et il était plus difficile que jamais à satisfaire. Il alla jusqu'à dire à Heston qu'il ne tirait rien de tout le potentiel du personnage. Il était particulièrement sévère envers Heston dans les scènes où il devait faire plus qu'écouter et réagir aux répliques des autres acteurs.

    Charlton ne s'était jamais autant senti sous pression auparavant, et il lutta durement pour satisfaire son réalisateur. Il finit par réaliser que Wyler le faisait exprès, le poussant quasiment à donner ce qui s'avérera être la performance de sa vie. En fait, Wyler étonna Heston une fois, après la scène dans la prison quand Ben-Hur supplie Messala de libérer sa famille. Son interprétation fut si bonne que l'équipe de tournage applaudit spontanément – et Wyler se joignit à eux. Wyler ne lâchait cependant jamais ses acteurs, encore moins Heston qui, après tout, portait tout le film sur ses épaules. Si son travail était mauvais, tout le film s'écroulerait.

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    Après une journée absolument harassante, Wyler avoua à Heston : « j'aimerais vraiment être un gars gentil sur le plateau, mais je ne pourrais pas faire un bon film de cette manière. » Heston réalisa alors que, bien sûr, si quelqu'un était sous pression, c'était Wyler. Heston dit :

     « La pression sur lui pendant le tournage était tellement énorme. Il avait tellement de bandes de films que lui et la seconde équipe sur la course de chars avaient filmées, qu'il se sentait totalement dépassé et ne prenait pas le temps de les regarder. Bien sûr, il finit par prendre le temps de regarder les « quotidiennes », et rien que cela prenait des heures et des heures. Il n'y  avait aucune raison de rester là à les visionner.  Il faut savoir être créatif.»

    C'était presque un soulagement de retourner auprès de la deuxième équipe pour continuer à filmer la scène de course de char. Wyler laissa Canutt enregistrer toutes les prises majeures de la scène, ne s'impliquant que pour les gros plans sur Heston et Boyd, transformant la course non pas seulement en un spectacle, mais en un conflit entre deux hommes. Dans les faits, la majeure partie de la course est constituée de ces gros plans de deux acteurs frénétiques et terrifiés.

    La seule scène digne d'attention de la course dans Ben-Hur que Charlton n'ait pas faite lui-même fut le fameux saut au-dessus des chars démolis. Elle fut faite par le fils de Canutt, Joe. La cascade fut méticuleusement préparée, mais comme la plupart des cascades, impossible de savoir si ça allait marcher avant d'avoir essayé. Une petite rampe cachée fut placée pour que le chariot décolle. Yak ordonna fermement à son fils qu'au moment du saut, il se tienne à la rampe non pas devant, mais loin derrière avec les mains éloignées l'une de l'autre, sinon il était probable qu'il serait éjecté vers le haut et probablement sa mort.

    Joe sauta dans le char et parcourut la piste tandis que Yakima était assis derrière la caméra. Tandis que son fils approchait de l'épave, le cœur de Yak faillit s'arrêter. Il vit que les mains de Joe étaient proches l'une de l'autre sur la rambarde avant. Les chevaux sautèrent, le char frappa la rampe et décolla. Joe s'envola dans les airs, tournoya comme une crêpe et s'écrasa au sol. Il survécut miraculeusement.

    Bouleversé par l'accident presque fatal de son fils, mais ravi de ce qu'il avait enregistré, Canutt filma quelques plans rapprochés d'Heston remontant dans le char et coupa la prise de Joe de sorte qu'Heston ait l'air d'avoir été retourné mais pas éjecté, réussissant tant bien que mal à remonter dans le char encore à pleine vitesse et gagne la course.

     (j'ai fait quelques captures d'écran de cette fameuse chute qui faillit coûter la vie à Joe Canutt  suivie de la reprise de la course par Charlton Heston)

    Une fois la course enfin achevée, Heston commença à travailler sur une toute nouvelle partie du film, incluant une nouvelle équipe secondaire, cette fois dirigée par Andrew Marton dont le travail était de tourner les séquences d'esclaves sur la galère et la bataille navale.

    La première scène d'Heston dans cette partie du tournage était jouée dans la villa romaine de Quintus Arrius, joué par Jack Hawkins. La villa était une splendide construction, rehaussée de 5 fontaines alimentées par presque 15 kilomètres5 de tuyaux. Il lui fut simple de travailler avec Hawkins qui, dans cette scène, adopte Ben-Hur et le prend pour fils. Il y avait beaucoup de choses dans la vie de Charlton ainsi que dans l'élocution pleine d'émotion d'Hawkins qui rendirent ses réactions au discours d'Arrius sincères et convaincantes.

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    Tourner la scène des galères fut le travail le plus difficile qu'Heston ait accompli jusque là. Le plateau était confiné et la chaleur insoutenable. Son dos lui faisait mal quand lui et les autres figurants devaient effectuer des séries éreintantes de changement de vitesse.

    Pour les scène de galère en extérieur, on creusa un lac artificiel avant d'y placer deux galères grandeur-nature. Les plans d'ensemble de la batailles furent également filmés sur le lac en utilisant des galères miniatures convaincantes.

    Vers la fin du tournage, en automne 1958, Sam Zimbalist mourut brutalement d'un arrêt cardiaque. William Wyler prit en charge toute la production et fut généreusement payé pour cela. Il valait chaque pièce qu'il reçut. Peu de temps après la mort de Zimbalist, la nouvelle parvint que Tyrone Power était mort sur le tournage de Salomon et la Reine de Saba6 en Espagne. Charlton fut vivement secoué et commença à s'inquiéter de sa propre condition physique. Le fait est qu'il était éreinté.

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    D'après ses propres mots :

    «Je crois que Ben-Hur est le film le plus difficile que j'aie jamais fait, tout simplement parce que c'est celui sur lequel j'ai travaillé le plus longtemps. On commence à voir que l'on s'épuise. On a tourné pendant 9 mois, et ce n'était pas comme le Cléopâtre de Burton et Taylor où ils restent là assis. Nous tournions tous les jours, 10 à 12 heures par jour, six jours par semaine – parfois sept – et j'étais dans l'équipe principale et l'équipe secondaire. Quand je ne travaillais pas pour Wyler dans l'équipe principale, je pilotais un char ou ramais sur une galère. Je ne plaisante pas en disant que je travaillais tous les jours, toute la journée. Et vers la fin, disons vers le septième mois, j'en étais sincèrement arrivé au point où, tandis que l'on me conduisait en limousine au travail, je m'allongeais sur la banquette arrière en me disant : « Voyons, si je meurs ou que je me casse la jambe, pourraient-ils finir le film ? Je me demande comment ils tourneraient mes scènes. Ils pourraient utiliser une doublure qu'il faudrait encadrer dans son travail7. Et puis ils n'ont pas vraiment besoin de moi pour cette autre scène. » Quand j'achevais enfin une scène dont ils avaient absolument besoin, je me disais : « Mon Dieu, faites qu'ils terminent le film, s'il-vous-plaît. »

    Je crois que c'est le seul film de ma carrière à la fin duquel je sentis non seulement mon énergie physique, mais mon énergie créative commencer à s'épuiser.

    Je dirais – et j'ai entendu Olivier le dire, et je n'ai pas peur de répéter quoi que ce soit avec lequel Laurence Olivier est d'accord – qu'un ingrédient très important pour un acteur à succès, et sûrement aussi un réalisateur à succès, c'est l'énergie physique et une bonne santé, car on n'a pas simplement besoin d'être présent, mais d'être au mieux de sa forme. Si on n'est pas au sommet de sa forme, on ne peut pas faire un bon travail, il faut donc bien dormir la nuit – Je peux dormir n'importe où, dans une limousine, une chaise de maquillage, le dossier d'un break, malgré le bruit des micros ou sur une falaise – pour ne pas m'épuiser, et être présent et en bonne santé. Ça n'a peut-être pas l'air très glamour ni très inspirant, mais croyez-moi, ça compte.»

    Enfin, en janvier 1959, il en avait fini avec ce film. Il dit alors

    «Neuf mois est une durée exceptionnelle pour le tournage d'un seul film. J'avoue que j'étais soulagé que cela soit fini. C'est comme l'alpinisme, c'est dur quand on y est, mais ça laisse un sentiment d'accomplissement. Je ne serai cependant pas satisfait avant d'avoir vu la version finale du film

    Quand il vit le film achevé, il fut ravi, et se dit que finalement, ça valait tout le sang et la sueur qu'il cracha sur le sable italien. S'ensuivit une fabuleuse série de premières8, notamment une Première Royal au Empire Theatre au Leicester Square de Londres. Les critiques américaines aimèrent sans doute le film, mais les journaux londoniens l'acclamèrent.

    Certains d'entre eux allaient ainsi :

    c'est l'épopée ultime… réfléchissez à tout ce que vous attendez d'un film, ce sera dans Ben-Hur. Il a aussi quelque chose que vous n'avez jamais vu auparavant. La course de char est la scène la plus palpitante depuis la naissance de l'image mouvante… Une chose m'inquiète : Comment diable quelqu'un pourrait-il un jour surpasser Ben-Hur ? (Daily Herald)

    Fabuleux ! … Vous serez ému aux larmes. Vous nerfs seront tendus au point de crier. Vous allez vous émerveiller. Un film puissant qui amène courageusement, puissamment, honorablement et avec bon goût une histoire du Christ à l'écran… Vous ne regardez pas un film. Vous en faites l'expérience – le plus grand accomplissement possible pour un film. (Daily Mirror)

    Ben-Hur force à se lever pour applaudir. Est-ce qu'un autre film dépassera un jour un si superbe engouement ? Je ne crois pas. (Evening News)

    D'autres revues étaient truffées de compliments de ce genre : « une superbe histoire magnifiquement racontée » (Daily Telegraph) ; « Il marquera l'histoire du cinéma » (The Times) ; « un phénomène cinématographique » (Daily Express) ; « jamais les instants les plus émouvants de l'histoire humaine n'ont été racontés d'une manière plus émouvante » (The Star) ; « le récit a un enthousiasme inspiré, une étrange magie » (People).

    Peut-être que le News of the World résume au mieux en écrivant : « un chef-d’œuvre – c'est Ben-Hur. Il faut le voir. »

    Charlton était à New-York, chancelant sous le poids de The Tumbler, et prenant plaisir à être dirigé par Laurence Olivier, mais souffrant face à la réception critique et commerciale de la pièce, quand Bill Blowitz lui téléphona.

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    « Chuck, je viens de l'apprendre : tu es nominé aux Oscars pour Ben-Hur. »

    « Bon, Bill, dit Charlton, c'est vachement bien. »

    Et cela le fut encore plus durant la grande soirée où Susan Hayward lut à voix haute son nom comme Meilleur Acteur de l'année. Heston embrassa Lydia et se fraya un chemin jusqu'à la scène, luttant contre une soudaine peur de la scène. Il arriva, dégoulinant de sueur, pour récupérer la statuette, et remercia William Wyler, MGM, Yakima Canutt, les membres de l'Académie et Christopher Fry. Il ne le sut pas tout de suite, mais la simple mention de Fry à la cérémonie des Oscars fit bondir sur leurs machines à écrire le président et le comité du syndicat des scénaristes américains9 pour protester contre10 l'audace d'Heston.

    Ce qu'il se passa, c'est que le syndicat des auteurs, dont ne faisait pas partie Christopher Fry, refusa de laisser Fry apparaître dans les crédits de Ben-Hur, ce qui fit que seul le nom de Karl Tunberg apparut. Le scénario reçut une nomination, mais l'Académie, reconnaissant le refus du syndicat d'accorder le moindre crédit à Fry, ne vota pas pour le scénario de Ben-Hur. Cela n'empêcha cependant pas le film de décrocher l'Oscar du Meilleur Réalisateur et du Meilleur Film, ramassant au total onze Oscars, plus qu'aucun autre film avant ou depuis11.

    Les journaux firent couler pas mal d'encre grâce à la lettre de protestation du syndicat que reçut Heston, la publiant ainsi que sa réponse. Heston y était en effet insensible et refusait légitimement de s'excuser. Il me dit ainsi :

     «D'après moi et d'après Wyler, c'était une écœurante injustice de nier le crédit de Fry, et c'est clairement la seule raison pour laquelle Ben-Hur n'a pas décroché les douze Oscars pour lesquels il était nominé. Le seul qu'il ne gagna pas est celui du meilleur scénario, et il est de notoriété publique parmi l'Académie que Fry n'avait reçu aucun crédit, et c'est pour cela qu'ils ne voulurent pas voter pour Karl Tunberg

    Mais le plus important pour Charlton est qu'il en est sorti avec un Oscar à la main, une récompense qui, depuis quelques temps, tend à être dénigrée par certains. Pour Heston, cependant, c'était un moment auquel il aspirait, où l'on reconnaissait ses qualités d'acteur. Quand je lui ai demandé ce que cet Oscar signifiait pour lui, il me répondit :

    « quelque chose d'énorme ! Quelque chose de vraiment énorme ! Évidemment, ça signifie beaucoup d'argent, mais je pense que la raison pour laquelle les Oscars sont particulièrement importants pour les gens de l'industrie du cinéma, c'est qu'ils représentent l'opinion de leurs pairs.

    Les autres récompenses sont distribuées par des jurys ou des critiques et c'est très agréable de les recevoir, mais l'avis de gens qui font le même métier est ce qu'on veut le plus, et c'est ce qu'est l'Oscar.»

    Et c'est là ce qu'avait Charlton Heston.

     

    1En français dans le texte original

    2En Italien dans le texte original. Désigne la gare de Rome-Termini.

    3« 18 acres » dans le texte original

    4« shootable » dans le texte original, un mot non-officiel mais simple à comprendre pour les Anglais.

    5« 9 miles » dans le texte original

    6Solomon and Sheba

    7« They could use a double, sort of over the shoulder »

    8En français dans le texte original

    9Writers guild of America

    10« aganst » dans le texte original, probablement une faute de frappe.

    11Il partage désormais le trône avec deux autres films comptabilisant eux aussi onze Oscars : Titanic (1998) et Le Seigneur des Anneaux : Le Retour du roi (2004)

  • 17 - "Charlton Heston une biographie " de Michael Munn - (traduction par Adrien P.)

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    La Touche Wyler

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    (Chuck - Sam Zimbalist - William Wyler)

    Jack L. Warner examina de nouveau le contrat qu'il avait signé pour Heston pour qu'il fasse Les Commandos passent à l'attaque1, réalisé par William Wellman.

    Herman Citron, surnommé « l'homme de glace »2, avait formulé tout à fait clairement les termes du contrat. Heston travaillait désormais contre un pourcentage des recettes. Universal avait accepté ces termes pour La Soif du mal, et c'est ainsi que firent également les frères Warner pour Les Commandos passent à l'attaque. Jack Warner n'avait cependant pas pris la mesure de ce que cela signifiait. Après tout, peu d'acteurs de l'époque se faisaient payer au pourcentage des revenus bruts.

    C'était pourtant écrit noir sur blanc. Heston allait recevoir une part des profits du film. Jack s'était décidé trop hâtivement. Il renvoya aussitôt Heston et choisit un acteur avec qui ils avaient déjà un contrat : James Garner. Heston les poursuivit en justice tout aussi promptement.

    Charlton fit une déposition calme, un peu verbeuse, devant le tribunal. Il y avait eu des périodes de sa vie où il ne prenait pas beaucoup la parole. Il avait maintenant tendance à la monopoliser. Après son témoignage, son avocat lui signala : « Vous savez, M. Heston, il est tout à fait acceptable de répondre aux questions simplement par oui ou par non.»

    Jack Warner en dit cependant trop. Sa colère surgit rapidement à la surface pendant son interrogatoire, et laissa échapper : « tous ces maudits acteurs méritent tout ce qui leur pourrit la vie. » Cela régla la question pour la cour de justice. Ils décidèrent en faveur d'Heston et lui donnèrent droit à un dédommagement financier payé par les frères Warner, ce qui lui offrit les fonds nécessaires pour enfin commencer à chercher une maison qui lui appartiendrait.

     La lumière rouge tant crainte s'alluma et Heston était de nouveau dans une émission en direct à travers le pays. Cette fois, il faisait The Anderson Court-Martial, portant une moustache postiche. Il sentit que c'était un superbe script et le meilleur rôle qu'il avait eu depuis un bout de temps. Il était ravi de la direction de Ralph Nelson, et à part sa moustache qui manqua de peu de tomber devant 40 millions de téléspectateurs, la pièce se passa bien, flattant suffisamment son égo d'acteur pour lui permettre de faire une pause dans la promotion de son prochain film, Les Grands Espaces3 de William Wyler.

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    Il n'aimait pas particulièrement son rôle, devant être gros pour la première fois, et ce n'était qu'un rôle de soutien majeur. Il ne l'avait accepté que parce qu'il ne voulait pas laisser passer l'opportunité de travailler pour Wyler. Le tournage n'a pas été des plus joyeux. Sa vedette, Gregory Peck, coproduisait avec Wyler. Ils se disputèrent en tant que producteurs et amenèrent cette dispute jusqu'à leur relation réalisateur–acteur. Wyler, tel qu'il était, faisait généralement les choses à sa manière.

    Il ne lâchait jamais les acteurs ni une scène tant qu'il n'était pas convaincu qu'il avait tout tiré d'eux et du script. Il pouvait prendre une douzaine de prises ou plus d'une seule séquence, essayant tous les angles, toutes les idées, toutes les motivations et en tirant chaque goutte d'émotion. C'était une technique à laquelle Heston n'était pas habitué – il avait tendance à vouloir que les choses avancent. Il dut apprendre à être patient et à faire confiance à l'instinct de Wyler qui, après tout, avait fait ses preuves sur une période de plus de trente ans.

    Charlton apprit à ne pas s'attendre au moindre compliment de la part du réalisateur. Wyler lui expliqua les choses simplement : « écoute, si je ne dis rien après une prise, c'est que c'est bon. »

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    Une seule scène sous la direction de Wyler pouvait être une expérience exténuante. Il fit jouer une scène de combat au corps à corps à Peck et Heston du matin au soir, jusqu'à ce que les deux acteurs furent complètement épuisés – ce qui allait bien avec la scène.

     Même les femmes ne furent pas épargnées. Quand Heston et Carroll Baker durent se quereller à l'écran, Carroll finit les poignets couverts d'ecchymoses à cause de la forte poigne de Chuck.

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    Charlton explique :

    «Willy nous a fait jouer cette scène encore et encore, jusqu'à ce qu'il soit satisfait. Il ne cessa pas de l'exhorter à se dégager tout en insistant sur le fait que je ne devais pas la laisser partir, et j'ai fini par la blesser aux poignets. La pauvre fille était dans un drôle d'état après cela.

    Et voilà encore une autre preuve de son insistance à vouloir avoir exactement ce qu'il veut. À Rome, six mois après que nous avions terminé Les Grands Espaces aux états-Unis, il me fit jouer un gros plan qu'il voulait caler dans le gros combat que j'ai avec Gregory Peck.

    Ironiquement, il ne l'utilisa finalement pas

     La valeur qu'accordait Charlton aux premiers rôles féminins, qui n'avait pas toujours été très haute, grimpa de façon dramatique durant ses scènes avec Jean Simmons. Il dit une fois des vedettes féminines ceci :

    «Certaines d'entre elles ont une attitude très peu professionnelle. Elles ne s'intéressent pas vraiment à ce qu'elles font. Elles sont trop désenchantées par ces histoires de star de cinéma et ont tendance à voir cela comme un engagement social. L'industrie a créé ses propres monstres, et certains d'entre eux sont féminins

     C'était son avis à l'époque, et il n'a pas trop changé au fil des années. Il complète cependant :

     « Parmi les femmes partageant mon métier, je respecte beaucoup Jean Simmons. Non seulement elle est très talentueuse, mais ce que je trouve encore plus digne de louanges, c'est le fait qu'elle a réussi à rester inchangée malgré les influences destructrices et les pièges qui viennent avec la célébrité, et qui ont détruit tant de ses sœurs-actrices

     

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    En tout, Les Grands Espaces, malgré son rôle relativement secondaire, prit à Heston 3 mois de dur labeur et de sueur pour terminer. Il était cependant content d'avoir fait le choix de travailler avec Wyler, et ce fut rétrospectivement un de ses meilleurs choix stratégiques car à ce moment-là, MGM était en train de persuader Wyler de réaliser leur titanesque remake de Ben-Hur.

     Pour Charlton, c'était comme offrir à sa femme le plus beau des cadeaux de Noël. Il se tenait à côté d'elle sur la montagne, admirant le canyon, lui laissant le temps d'apprécier le même paysage à couper le souffle qui l'avait captivé. En dessous se trouvait Hollywood, à portée de main et pourtant si loin. Au-delà se trouvait l'Océan Pacifique. Russ l'avait trouvé en premier ; une vue sur le canyon n'attendant que quelqu'un qui vienne y construire une maison. Chuck adora dès le premier regard et avait hâte que Lydia lui donne son consentement. Quand elle le vit, elle se tint là, muette. Elle se délecta de la beauté à laquelle elle faisait face, et des larmes commencèrent à couler.

    Charlton était comme foudroyé. « Qu'y-a-t'il ? Cria-t-il, tu n'aimes pas ? »

    Lydia raconte : « en dépit de sa taille, il ressemblait tellement à un petit garçon inquiet que je n'ai pu qu'en rire au lieu de pleurer. »

    Le lopin de terre fut donc acheté, et les Heston commencèrent à prévoir comment faire dessiner et construire leur maison.

    Heston travaillait alors sur un autre petit rôle dans un film, mais c'était vraiment plus une sorte de brève apparition4. Il jouait de nouveau Andrew Jackson du film Les Boucaniers de De Mille Production. Cette fois, De Mille n'était pas le réalisateur. Au départ, il comptait en faire une version musicale avec Yul Brynner dans le rôle de Jean Lafitte, mais Brynner n'était pas satisfait par le scenario et son traitement, faisant que De Mille décida de faire un simple remake de son ancien film d'aventure. À ce moment-là, il n'était cependant pas motivé à  réaliser le film et chercha quelqu'un d'autre pour remplir cette mission.

    Un jour, alors qu'il déjeunait, sa fille Katherine et son beau-fils Anthony Quinn lui rendirent visite. De Mille demanda à Quinn s'il pensait que Budd Boetticher serait un bon choix comme  réalisateur pour Les Boucaniers.

    « Ce n'est pas ton genre de réalisateur, » répondit Quinn.

    Soudain, De Mille se pencha en avant et dit, « Tony, comment est-ce que tu aimerais le réaliser ? »

    Quinn réfléchit un instant et dit, « je le ferai. »

    Charlton eut vent de ce projet qui était fait par Paramount, et comme il avait encore un dernier film à tourner pour ce studio, il demanda à De Mille s'il pourrait jouer à nouveau Jackson pour enfin conclure son contrat. Par ailleurs, il admirait beaucoup Jackson et qu'essayer de le jouer de nouveau serait une expérience des plus plaisantes.

    De Mille adorait la perspective d'avoir Heston dans son film et ordonna à ses auteurs, Jesse Lasky Jr et Berenice Mosk, de donner plus d'importance au rôle de Jackson.img028.jpg 

    Heston se mit impatiemment au travail de création du maquillage, basant l'apparence de Jackson sur de vieilles peintures de lui à l'âge de 60 ans. C'est seulement une fois que la production avait déjà bien avancé qu'Heston se rendit compte qu'il avait fait une terrible erreur. Jackson, à l'époque à laquelle se déroule le film, n'a que 46 ans, mais Chuck le représentait comme un vieil homme.

    Quinn n'avait jamais été réalisateur auparavant, mais en tant qu'acteur, il a pu montrer aux acteurs exactement comment il s'attendait à ce qu'ils jouent leurs rôles en les interprétant lui-même pour leur avantage.

     Cependant, tous les acteurs n'appréciaient pas de se faire dire exactement comment jouer. Heston, ceci dit, trouvait que Quinn était un homme plein de talents qui l'aida à ajouter un petit quelque chose à son jeu grâce à cette technique. Ils travaillaient si bien ensemble qu'ils parlèrent de monter d'autres projets à l'avenir, bien que rien ne s'est jamais concrétisé.

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    De Mille était rarement sur le plateau. Quand il venait, il restait assis en silence dans un coin, quoique son ombre se projetait clairement sur le plateau, mais la plupart du temps, Quinn avait l'équipe de tournage, les acteurs et le plateau pour lui tout seul. La participation de De Mille se limitait à demander à refaire des prises (n'étant pas toujours satisfait par le travail de Quinn), et ensuite à superviser le montage du film, ce qui aida à ajouter quelques touches du maître.

    Les Boucaniers est en fait un assez bon film ; en tout cas moins mauvais que ce que certaines critiques le font croire. Peut-être y a-t-il toujours quelques fautes de goût quand un acteur est réalisateur pour la première fois. En tout cas, Quinn n'a jamais plus été réalisateur depuis.

    De Mille offrit à Charlton cette petite statue de cire qui avait trôné dans sa loge pendant le tournage de Le Général Invincible pour sa contribution au film.

    Même pendant la production de Les Boucaniers, MGM essayaient de séduire Heston pour qu'il joue Messala dans Ben-Hur face à Burt Lancaster dans le rôle-titre. Charlton n'était pas du tout à l'aise à l'idée de jouer le méchant et Wyler, chargé du film, fit de son mieux pour le rassurer. Pendant ce temps, Lancaster se désolidarisa du film, croyant curieusement que le film contredirait ses idées athées ! Un remplaçant fut trouvé – un Italien nommé Cesare Danova – mais Wyler avait des appréhensions à son sujet, en grande partie parce qu'il n'avait pas une maîtrise particulièrement bonne de la langue anglaise. Wyler commença à sa demander si Heston ne serait pas mieux dans le rôle de Ben-Hur.

    Heston ne se faisait pas trop d'illusions alors que Wyler allait prendre sa décision. Il retrouvait 2 de ses collègues acteurs de Les Boucaniers, Claire Bloom et E. G. Marshall, pour une production télévisuelle de La Belle et la Bête pour CBS. Cela attira une forte audience et reçut des commentaires dithyrambiques.

    Wyler décida enfin qu'Heston devrait jouer Ben-Hur, et Charlton accepta immédiatement l'offre et célébra cela avec Lydia et une bouteille de champagne.

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    Avant de se mettre en route pour l'Italie où Ben-Hur serait filmé, Chuck fit Point of No Return pour Playhouse 90, mis en scène par Frank Schaffner. Il fut diffusé en direct le 20 février 1958.

    Trois semaines plus tard, Charlton, Lydia et Fray embarquaient à bord du SS United States à New-York, en direction de Southampton puis, enfin, Rome et Ben-Hur.

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    A SUIVRE...

    1 Darby's Rangers

    2 « The Iceman » dans le texte original

    3 The Big Country

    4 « a cameo » dans le texte original. Le mot  est déjà dans l'usage courant en France, et désigne l'apparition brève d'un acteur connu dans un film.

  • 16 - "Charlton Heston une biographie " de Michael Munn - (traduction par Adrien P.)

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    ... SUITE 

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    La neige tournoyante enveloppa Charlton tandis qu'il descendait avec difficulté de la voiture dans la nuit à la recherche de la route vers St-Helen. Il s'était déjà frayé un chemin à travers le blizzard et les collines enneigées, et aussi familier qu'il fût avec le terrain, Charlton ne pouvait pas voir à plus de 10 yards devant lui.

    En découvrant la route cachée quelque part sous les profondeurs de la couche de neige, il remonta dans la voiture et reprit le volant. Ils arrivèrent au cabanon dans la nuit et, Noël était dans deux jours à passer auprès de Russ et Velda, à invoquer tout les éléments familiers ravivant les souvenirs de petit garçon dans les bois qu'il chérissait tant.

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     Pendant la période des vacances, Charlton survola quelques scripts. Il cherchait plus que jamais, mais la qualité de ce qu'il parcourait ne l'inspirait pas vraiment. Il y en avait cependant un qui avait l'air prometteur. C'était La Soif du mal chez Universal qui voulait qu'il joue un détective mexicain. C'était un thriller plutôt classique – un peu supérieur à un scénario de série B quand même.

    Il téléphona à Universal pour leur demander qui en serait le réalisateur.

    « Nous n'avons encore aucun réalisateur », lui répondit-on. « Mais nous aurons Orson Welles dans le rôle du policier corrompu. »

    « Pourquoi ne pas lui laisser également la réalisation, » suggéra Heston.

    « Vous plaisantez, » dirent-ils.

    Heston ne plaisantait pas. L'un de ses films préférés était Citizen Kane, que Welles avait écrit et réalisé en plus de jouer dedans, en 1941.

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    La suggestion fut soumise au producteur Albert Zugsmith qui tenait à avoir Heston dans son film. Lui et Universal décidèrent que plutôt que de voir Heston se rétracter, – il surfait alors sur la vague de succès que lui prodiguait Les Dix Commandements – ils préférèrent demander à Welles d'être le réalisateur.

    Avec Welles comme appât, Universal ferra Heston sans lui donner un salaire fixe mais 7,5% des gains bruts. Charlton était extrèmement enthousiaste à l'idée de faire le film sans autre raison que le fait  qu'Orson Welles le réalisait et réécrivait le script.

    La version finale de Welles créa un vent de panique chez Universal. Son travail de réécriture  transforma le mélodrame prévisible qu'ils avaient imaginé en un film policier décalé. Charlton, cependant, était enthousiasmé par ce qu'il lisait, et encore plus par l'idée de Welles de répéter tout le film chez lui. En même temps, Charlton se sentait grandir en tant qu'acteur, assimilant tout ce que Welles lui disait en tant que réalisateur et acteur. Selon Heston :

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    « Ce fut une expérience remarquablement enrichissante pour moi – l'une des plus précieuses de toute ma carrière cinématographique. J'ai probablement plus appris du jeu d'acteur avec Welles qu'avec aucun autre réalisateur. C'est lui-même un acteur, et un incroyable communicant plein de ressources. Il comprend les acteurs et communique avec eux. C'est ce qu'il fit avec moi de manière très détaillée, ce qui est inestimable.»

    La seule critique d'Heston à l'égard de Welles était que celui-ci semblait ressentir le besoin de lui cacher le fait que le rôle central  était celui qu'il jouait lui-même alors que le rôle d'Heston était secondaire. En tant qu'auteur et réalisateur, Welles ajouta quelques scènes non nécessaires pour Heston. 

    Heston découvrit vraiment combien Welles pouvait être un réalisateur innovant au premier jour du tournage. Welles les fit répéter toute la journée et ne commença pas à filmer avant 17h45, à l'heure où le producteur Zugsmith devint pâle à l'idée de dépasser le budget initial et les délais prévus dès le premier jour. Deux heures plus tard, Welles cria : « coupez ! C'est dans la boîte, on en a fini avec ce lieu de tournage. » d'un seul coup, ils avaient deux jours d'avance sur le planning, quelques douzaines de pages de script filmées alors que cela aurait dû prendre plusieurs jours pour tout terminer.

    La fameuse scène d'ouverture du film fut tournée en une seule nuit. Welles tourna l'ensemble en une seule prise, suivant Heston sur trois rues1 pendant que le dialogue continuait, atteignant son point culminant quand Heston embrasse sa partenaire pour le film, Janet Leigh, puis une voiture qui explose – le tout dans ce qui est probablement le plus long plan-séquence jamais enregistré2.

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    Heston était impressionné chaque jour par l'une ou l'autre technique innovante, même quand il s'agissait de déplacer un dialogue d'un lieu de tournage à un autre complètement différent. Charlton sentit bien que La Soif du mal serait un film majeur.

    Même dans les dialogues doublés, Welles s'avéra être un magicien. Heston se retrouva à doubler des dialogues complètement différents de l'original dans certaines scènes, créant ainsi un nouveau point de suspense. À partir de ce moment-là, Charlton fit un usage créatif des sessions de doublage, ou de « bouclage »3, pour progresser plus qu'il ne l'aurait cru possible.

    Universal, cependant, n'était pas aussi impressionné par Welles que ne l'était Heston. Le film était juste trop en avance sur son temps. Toute l'histoire était racontée là, sur cet écran, mais Welles ne l'expliquait pas clairement au public qui devait se donner un peu de mal pour suivre le film. Le public n'a plus aucun souci à faire cela, mais en 1957, si un homme allait d'un point A à un point B en voiture, il fallait le voir dans la voiture plutôt que de simplement le voir arriver au point B. Universal choisit donc un autre réalisateur, Harry Keller, pour tourner quelques scènes complémentaires et interdire à Welles de remettre le pied sur le plateau de tournage. Au début, Heston refusa de travailler sans Welles sur le plateau, mais comme son avocat le lui fit remarquer, il était légalement lié par contrat et devait obtempérer. Ceci dit, Heston mit en pause le tournage pendant une journée pour essayer de se dépêtrer du dilemme moral et légal dans lequel il était, mais il remboursa le studio pour la journée de travail perdue, lui coûtant 8 000$ directement tirés de sa poche.

    Considérant son enthousiasme pendant la production et son estime pour Welles, il est surprenant de constater qu'en voyant pour la première fois La Soif du mal, il fut très déçu. C'est un phénomène qui le surprend lui-même aujourd'hui. D'après lui :

     « Ce film n'est peut-être pas un grand film. Ce n'est pas l'égal du Citizen Kane de Welles, mais "La Soif du mal" est certainement un film qui en vaut la peine. Il a beaucoup de qualités dont une, je crois, à laquelle n'importe qui dans l'industrie du cinéma aurait été heureux de contribuer. Pourquoi je ne l'ai pas remarqué en voyant le film la première fois ? Je n'en sais rien ! Peut-être que j'en attendais plus. Peut-être que je m'attendais à l'incroyable projet que cela semblait être quand nous travaillions dessus.

    Contrairement à ce qu'on raconte, il n'y a pas de « version perdue de Welles ». Le film était très proche de ce qu'il aurait été si le studio avait laissé Welles sur le plateau jusqu'à la fin.

    Je dois dire que ce fut une merveilleuse expérience de travailler avec sans doute l'homme le plus talentueux du cinéma de l'époque. Ça ne veut pas dire qu'il était le meilleur acteur ni le meilleur réalisateur, mais peu importe ce qu'on appelle le talent, – un mot que l'on épingle sur la contribution intangible d'un artiste et que l'on ne peut pas appeler autrement – Welles en avait. Encore une fois, La Soif du mal n'est certainement pas un grand film, mais il fut décrit comme le meilleur film de série B jamais créé.

    J'attribuerai à Welles ce mot trop souvent utilisé – génie ! »

     La Soif du mal ne fut ni un succès critique ni commercial. Il est cependant devenu une sorte de classique au fil des années et est aujourd'hui considéré par les critiques et par tout ce qui ressemble à un mordu de cinéma, comme l'un des meilleurs films de Welles. Comme Heston l'a dit, « La Soif du mal n'est pas Citizen Kane, mais il ne se place pas loin derrière Kane dans la liste des films de Welles. »

    Malgré la première réaction un peu froide devant ce film, il voulait vraiment pouvoir de nouveau travailler avec Welles et discutèrent à propos de nombreux sujets parmi lesquels Jules César et une version cinématographique de "Je suis une légende"4, un livre de science-fiction. Charlton découvrit cependant qu'il ne pourrait jamais tenir Welles en place suffisamment longtemps pour faire naître un quelconque projet. « Malheureusement, Welles a tendance à être indiscipliné, négligent peut-être, et souvent malavisé. »

    Même s'il ne tira rien d'autre de sa collaboration avec Welles – et il n'en tira pas non plus un gros pécule – il se souvient de cette expérience professionnelle comme l'une de ses plus inoubliables, et cite toujours Welles parmi ses réalisateurs favoris.

    1 « for three blocks », « block » peut signifier « rue », « quartier » ou « pâté de maison ».

    2 Du moins le plus long travelling à la grue, même encore à ce jour. Si, à l'époque, la longueur de la bobine de cinéma limitait la durée d'un plan à environ 12 minutes, le numérique a permis l'émergence de caméras capables de filmer pendant deux heures sans discontinuer. Cela donna naissance à des films sans montage telles que Victoria de Sebastian Schipper (2015).

    3 « looping » dans le texte original

    4 I am legend

  • 15 - "Charlton Heston une biographie " de Michael Munn - (traduction par Adrien P.)

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    Une Touche de Génie

     

     

    Charlton Heston approcha son cheval, le lasso lâche à la main. Il lança la boucle au-dessus de la tête de la vache et tira fort. La vache ne broncha pas. Charlton ne fut pas vraiment surpris. La vache, après tout, n'était qu'un mannequin. Par contre, Frank Cordell, le cow-boy d'Hollywood, allait offrir à Charlton l'opportunité de capturer une vraie vache dans quelques jours. Il devait d'abord bien comprendre la technique.

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    Chuck avait déjà joué dans des westerns, mais il n'avait encore jamais eu à capturer une vache. Pour préparer Three Violent People, dans lequel il jouait un propriétaire d'un ranch, il avait besoin de savoir faire des choses aussi basiques pour un cow-boy que d'attraper une vache au lasso. Il savait la valeur de ce genre de préparation préalable car une fois que les caméras commencent à tourner, il n'y a plus vraiment de temps pour apprendre ce genre de compétences.

    Hal Wallis venait de vendre son contrat avec Heston à Paramount, il travaillait donc maintenant pour le studio même s'il avait toujours l'indépendance contractuelle  de jouer ailleurs. Il s'était néanmoins engagé à jouer deux autres films pour Paramount, et non seulement Three Violent People avait un bon script rédigé par James Edward Grant, mais il l'aiderait également à mettre fin à son contrat en n'ayant plus qu'un film à faire.

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    Les trois protagonistes du titre étaient le propriétaire d'un ranch, joué par Heston, sa femme ancienne prostituée, et le frère manchot du propriétaire qui veut tuer Heston. Aucun des trois n'est totalement sain. Heston est de nouveau un antagoniste. En effet, ce film n'est pas très différent de Quand la marabunta gronde, même si cette fois il n'a pas de fourmis légionnaires menaçant ses terres : il a un frère vindicatif.

    Paramount voulait Anne Baxter pour jouer sa femme pour qu'ils puissent recréer l'alchimie qu'il y avait entre eux à l'écran qui contribua un peu à l'aspect romantique de Les Dix Commandements. En vérité, Baxter et Heston ne s'entendirent jamais très bien en dehors du plateau, mais travaillaient bien ensemble. « Nous n'eûmes jamais un mot de travers, mais je ne la trouvais pas spécialement chaleureuse et il n'y eut jamais de grand moment d'amitié exaltée entre nous, » me dit Heston.

    Il n'était pas vraiment satisfait par le choix d'acteur pour le frère. Paramount voulait Tom Tryon, un nouveau venu ancien assistant producteur à la télévision avant de devenir acteur. Charlton avait beaucoup de réserves à propos de cette préférence pour Tryon qui ne semblait pas être un acteur suffisamment percutant pour le rôle essentiel du frère. Maintenant qu'il sentait qu'il avait enfin son mot à dire sur le choix des acteurs dans ses films, Heston tira un peu la sonnette d'alarme1, mais Paramount resta inflexible et Tryon décrocha le rôle.

    Le réalisateur Rudy Mate amena l'équipe d'acteurs à un stage de répétition de préproduction, ce qui était très inhabituel au cinéma. Quand le tournage commença, les inquiétudes d'Heston à propos de Tryon diminuèrent. Finalement, Tryon était très bon dans ce rôle et s'avéra être un élément essentiel du film achevé tant sa qualité tenait à la performance des trois acteurs principaux.PDVD_556.png

    Quand Heston vit le film, il réalisa combien il s'était trompé à propos de Tryon, qui, après cela, devint un acteur réputé avant de passer du cinéma à la rédaction de romans et de scénarios en plus de produire ses propres films.

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    L'été de cette année 1956, Charlton et Lydia retournèrent au théâtre pour Detective Story. Charlton avait lutté depuis longtemps  pour le rôle principal de cette pièce, et surtout pour jouer en compagnie de Lydia qui avait déjà interprété son rôle auparavant. Ce fut en fait une tournée trépidante, engageant 4 acteurs dont Lydia et Charlton ainsi que 2 ou 3 acteurs principaux portant le spectacle sur les routes, cherchant des acteurs pour les rôles mineurs dans les lieux où ils allaient se produire.

    Avant d'embarquer pour cette tournée un peu brouillonne, ils passèrent deux semaines dans leur cabanon à St-Helen près de Russell Lake. Ces terres adorées de Charlton étaient désormais protégées par le gouvernement de tout développement. C'était un havre de paix dans lequel il pouvait fuir et se perdre dans les souvenirs de son enfance, à l'époque où il était vraiment heureux.

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     Detective Story débuta à Newport, Rhode Island où elle eut du succès, puis partit pour Fayetteville, New-York, où les représentations se passèrent encore mieux. Heston aimait le rôle de McLeod avec lequel il se sentait de plus en plus à l'aise après chaque représentation. Il sentait un certain pouvoir en lui sur scène qu'il n'éprouvait pas sur les plateaux de tournage, et il se réjouissait simplement d'être de nouveau acteur de théâtre.

    Il dit du théâtre :

    «Au théâtre, la scène est vraiment le pays de l'acteur . Peu importe le talent du metteur en scène, peu importe ce qu'il a à offrir, chaque soir quand le rideau se lève, l'acteur doit commencer par le début. C'est comme construire un château de sable sur la plage. On le bâtit, complet, parfait, puis la marée vient et il disparaît.

    Dans un film, les acteurs font de leur mieux. Peu importe le talent qu'ils ont, ils le montrent dans le film. Peu importe la contribution qu'ils peuvent apporter, ils l'apportent. Peu importe le contrôle qu'ils peuvent exercer sur le casting ou le scénario, ils l'exercent. Cependant, une fois le tournage fini, l'acteur rentre chez lui.

    Il n'y a alors pas de film, seulement cinq mille petits rouleaux de cinéma avec de petits élastiques autour dans une salle de montage, et là le réalisateur et le monteur s’assoient et créent un film.

    Je suis passé d'un médium à l'autre tout au long de ma carrière, et j'ai trouvé chacun d'eux gratifiant. Chacun d'eux a ses défis à proposer. Je ne suis certainement pas de ces acteurs qui dénigrent le cinéma comme un médium par lequel il gagne sa vie et trouve que l'art dans sa forme la plus pure ne peut être vu que sur scène. Je ne le pense pas du tout. 

    J'aime donc jouer dans les deux pour des raisons différentes.»

    Après le succès de Detective story à Newport, il y retourna pour Mr Roberts, une pièce qu'il a choisie lui-même et qu'il considère comme possiblement la meilleure de ce genre. La mise en place de la pièce fut bâclée ce qui affecta un peu le plaisir de la jouer. Néanmoins, ce fut un autre succès qui incita le City Center de New-York à lui demander de leur apporter la pièce.

     

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    Respectant ses engagements, il joua dans Frobidden Area, une pièce retransmise en direct pour Playhouse 90 qui le déçut. Ce ne fut pas une bonne performance. Il contracta un rhume, à peu près la seule maladie dont il souffrît, et il dut faire avec,  durant toute la durée de la diffusion.

    Attendant avec impatience quelque chose de plus gratifiant au City Center, il arriva à New-York en s'attendant à retrouver le même metteur en scène que précédemment pour Mr Roberts, Mike Howard. Il trouva Johnny Forsythe à la place, qui avait lui-même joué le même rôle qu'Heston à Broadway. Comme il avait un pouvoir de décision sur le choix du metteur en scène, Heston s'insurgea bruyamment auprès de Joshua Logan, le créateur de la pièce, menaçant tout simplement d'abandonner la pièce.

    Il décida finalement de laisser tomber l'affaire et reprit le travail. Il eut également la chance de travailler avec Logan lui-même, une inestimable expérience pour Heston qui put donc découvrir des faiblesses dans sa compréhension du personnage de Roberts et ainsi les corriger. En travaillant avec Forsythe, Chuck évita tout ce qui aurait pu créer un désaccord sur un rôle qu'ils avaient tous les deux joué, et ils réussirent à collaborer sur ce qui devint un succès critique et commercial.

    1 « Heston began to flex his movie muscle a little, » litt. « Heston tendit un peu son muscle tendeur de cinéma. »

    John Forsythe - 1957.jpgJoshua Logan Picture

     à gauche : Joshua Logan

    à droite : John Forsythe

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    A SUIVRE...